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圖/Yahoo奇摩電影

比起《你的名字》,《天氣之子》劇情組成方式及結局,必定引起更多正反爭論。

為什麼更喜歡《天氣之子》呢?想想,好像是因為那種真誠。   

在《追逐繁星的孩子》之前,新海誠更像是散文家、詩人,情感濃烈,而情節是淡薄的。 我喜歡那美到屏息的畫面,但少了真人演員去支撐這樣的情感,我難免無法熱愛這樣的動畫電影。除了《言葉之庭》因為個人因素,我實在太有代入感而喜歡。)    

《追逐繁星的孩子》對我來說,是令人擔憂的失控,卻也看到劇烈轉變的開始而期待;緊接著《你的名字》讓我看到新海誠既是集大成、也是瞬間變身似的驚人變化。我喜歡《你的名字》,可是當時我有一種不安,並非他是否變得商業化的那種議題,而是電影的氣質有種用力的、努力的、並不自然的氣質。用非常多的細節設定與規則,打造故事血肉,這樣的電影細膩用心,卻常常具有風險,而它出現了一個極其創意的翻轉,得以把所有細節收攏,因此有神作美譽。

《天氣之子》卻不是如此。它的命題、最大難題很快就被拋了出來,你很快就可以預想接下來的走向,要怎麼衝破這個宿命的不安,幾乎要一路伴隨到結局之前。這麼早拋出的命題,要怎麼不讓整部變得沉滯難受,是劇本創作非常非常困難的平衡。你早早拋出一個宿命等級的隱憂,而這個隱憂不能壓垮整部電影的調性。

那麼,當這個最大難關真正來臨時,該怎麼解決呢?《天氣之子》沒有許許多多的細節、 規定與創意神招翻轉,他的解決,宛如電影裡的場景,靠的就是那個真正濃烈到不可思議的執著,與你直面對決,感情是唯一的武器,衝破難題,衝破劇本最難寫的翻轉,恰恰又呼應電影裡角色的作為與選擇。莽撞、沒有太多辦法、無力卻一生懸命。

怎麼可能不哭呢 ? 明確而一以貫之的主軸,用情感層層堆疊,情感有些是靠著事件累積,更多的則是藉著那些看似沒有明說的模糊背景設定,卻其實有著相濡以沫、同是天涯人的共感,於是驚人執著情感才可信、部分細節是否完妥處理也可忽略。          

我對於引起討論的結局,沒有認同或不認同,卻被那種直球對決的真誠感動;角色如是, 新海誠這次選擇的創作方法如是。    

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【轉自ptt個人發文(2011.12.05)】

 

  工作到此時此刻,真是累壞了,電腦螢幕在眼前開始發散。不過,這次我真的很想寫點東西,這次不是為了工作,是真的希望這部電影有更好的票房。

  我大概是第一次為了一部電影,跑了三次戲院吧!第一次位子劃滿了,第二次因為一點意外沒看到前十分鐘,再跑了一次看完完整的片子。如此奔波、如此折騰,還是沒有減損心裡對這部電影的感情。甚至在信義威秀突然下片後,想到這部電影可能票房不好,半夜裡心情突然就落寞起來。之前跟過的片,突然下片,也沒帶給我這種強烈感覺。

  我真的很喜歡這部電影,甚至名列了我今年最喜歡的國片。比起其他部的製作、宣傳,這部的確只是小品,但我就是很喜歡。雖然這裡面參雜了太多個人的情感,但光影之間,我們尋找的不一直就是各自的私密對話。

  所謂個人情感,或許就是指大學時去過原民部落的幾次經驗吧!這部電影,最最完整的再現了在部落的記憶。當地人的反應,包含小孩子的、原民青年的、長者的、當地重要人士......。我忍不住一直微笑,想要問導演,這些對白究竟是導演先寫好了,還是即興表演出來的。太真實不過了。幽默、質樸、聰明的種種反應,完全地就是認識的那些原民朋友會有的反應。「我很帥嘛?」這句經典台詞,我想我在他們跟我的對話中,聽過好多次類似的話語了(笑)。

  很不好意思地,還是要跟最火紅的《賽德克‧巴萊》作對照。《賽》片呈現一種原民的堅毅精神,誓死如歸,我也感動地亂七八糟。但《不一樣的月光》呈現地是此時此刻在部落裡的原住民生活,那樣的語調、那樣的生活方式、那樣的反應,骨肉豐滿。那不是一個雖然不到百年,但似乎遙遠如神話的英勇故事了(當然,我認為賽片更呈現了一種人類為自尊自由奮戰的普世精神,非關年代。),那是現在你會碰到的原住民朋友。

  我喜歡《不一樣的月光》劇情編織的方式,清清淡淡地帶入部落議題和一個少年的成長故事。

  這部片,不以沉重的方式去描寫部落議題,或許有些人會覺得批判力道不夠,避重就輕。但我卻覺得真實。是的,部落有許多問題需要討論,但日子並不是天天地沉重、陰霾、覺得受害,生活在其中的人,還是會笑,在大環境裡,做出自己的小小選擇。編導其實並沒有逃避這些狀況得描寫,而一徑呈現原住民的歡笑與幽默,是在那種清淡的人物呈現裡,表現部落的各種狀況。許多與主角關聯不大,或者看似不起劇本趨動力的登場人物,(如:喪夫的小蘭、面臨升學的莎韻、即將轉學到台北的阿國、傳統文化打獵與維生的年輕獵人們)卻如同部落切片,在生活細瑣裡,靜靜地被看到了。這樣的處理,一直讓我想起去部落的經驗。初接觸,我完全開心於小孩子與部落年輕人的熱情幽默之中,直到我聽到了一些故事,碰到了一些人,看了一些當地的紀錄片,我才驚覺所有地方都有自己的問題要處理,過渡浪漫化部落是不對勁的。但是,也絕不因這些錯綜複雜的議題,部落就顯得悲情。大家仍熱切地活著,有想要打球的煩惱,有想要戀愛的煩惱,有功課的煩惱,嚮往歌星、球星......是的,和我們所有人一樣。大環境有狀況,但我們還是踏實地在小悲小喜中,感知、選擇生活,不會哭天喊地、一片陰鬱、悲情憤怒。

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        《愛在》系列三部曲的導演Richard Linklater,再次以時間為筆,但這次不再滔滔直議愛情本質,而是以歷時十二年之久的拍攝時光,娓娓道來成長的時光悠悠。

 

 

 Richard Linklater20022014年之間,找來同一批演員,每年以一段時間,拍攝關於男孩Mason從六歲至十八歲的虛構故事。這十二年,Richard Linklater邊寫邊拍邊剪,主角Manson從孩童變成大人,飾演父母的Ethan HawkePatricia Arquette也漸漸老去。眾演員能按照計畫,參與橫跨十二年的拍攝,使《年少時代》的完成,不僅是幕前幕後創作者的毅力,更是電影神賜與的奇蹟──時間化作一軸長卷,邐迤眼前。而以真實紀錄演員的方式,創造虛構的人物劇情,更是模糊了形式/內容、真實/虛構、劇情/紀錄的界線,再次揭示了電影原是如此曖昧、如此迷人。

 

 

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        改編自九把刀小說的《等一個人咖啡》,雖是由《那些年,我們一起追的女孩》的執行導演江金霖作為本次導演,整部電影在九把刀擔任編劇及出品人的影響下,成品仍是充滿濃濃的九把刀風格:俯拾皆是的無厘頭網路笑點,嘻笑怒罵間,卻又硬是讓你擠出幾滴傷感眼淚。

 

電影版的《等一個人咖啡》,講述大學新鮮人李思瑩為了接近邂逅的神秘帥男子,追隨他來到其常待的「等一個人」咖啡店打工。除了神秘男子,思螢在此認識了神秘恍惚的美麗老闆娘、能調出各種奇怪咖啡的女同志阿布拉;還遇上了校園離奇傳說的主角阿拓學長,並與他結為好友。透過熱血真誠的阿拓,思螢又結識了海產店老闆暴哥、洗衣店老闆娘金刀嬸……

 

 

 

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        從女性自我成長至文化衝突,《救救菜英文》以不流俗的視角、流暢的敘事能力,以及寶萊塢標誌的歌舞表現,再度向世界觀眾宣示了印度電影的無限可能!

  《救救救英文》的編導,首先找到了讓人眼睛一亮的角色設定:一名因破英文,而受女兒、丈夫嘲笑的傳統印度家庭主婦。再透過寫實而細膩的家庭互動描寫,使主角骨肉豐滿,觀眾心有所感;並挖掘主題深度,擴大格局,十足功力!女主角莎希踏出家庭生活圈,前往紐約新世界,在一連串人事影響下,尋找到自身價值;主角學習英文的劇情主線,實為一趟女性成長的過程。然則,《救救菜英文》最可貴之處,在於在如此的女性自覺題材中,主角的最終選擇,不僅首尾貫穿角色個性設定,也是相對寫實地處理人們於真實生活境況中的責任、牽絆與取捨,主題自我認同的處理,因此更加寬廣,從而也顯現了編導成熟而體恤的眼光,溫柔寬容的創作秉性。

 

 

  除了女性自覺成長的主線之外,「學英文」這個前提題材,使編導自然而然地帶入語言優勢、文化碰撞等議題。從圍繞在莎希的家庭及學校、職場環境,反映印度自身內部的性別階級、「新」、「舊」矛盾,再擴大到國際間的語言霸權、種族文化的碰撞,甚至經濟階級、多元性向;在這部電影裡,全被具體而微地囊括在內。編導敏銳地抓取到上述的核心關鍵,就在於概念「尊重」;使每一看似宏大而都能各自開展的紛雜主題,全成功收攏在《救救菜英文》中,並且表現得合情合理,層次分明,不僅洋溢滋味,也更加釐清主角真正需要,昭示全片主題。於是,面對世界中的各種衝突:性別、經濟、種族、性向……編導以劇情的語言巴別塔開始,提出「尊重」下的「溝通」,承認彼此的同與不同,不強迫異己改變,願意互相包容,衝突也許才得以有消弭的可能。而每一場莎希與法國廚師,儘管各說各的語言,卻仍能互相理解交流,許是創作者所意欲傳達給觀眾,最理想的「溝通」了。

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        日本喜劇鐵三角組合:編劇宮騰官九郎、導演水田伸生以及演員阿部真夫,再次合作帶來《謝罪大王》。機心巧妙,笑梗不斷,讓人驚喜連連。爆笑中,還有那麼點暖人心脾的溫柔滋味。

     日本究極入裏的「達人」文化,反映在社會價值、工作產出……等各個層面,其專業精緻程度,往往讓外國人士,大開眼界、嘆為觀止。而日本人多禮,幾乎也是多數人的既定印象。這次編劇結合達人文化,以及由來已久的「土下座」日本禮式,創造出「謝罪師」此一專業人士。謝罪師專門提供客戶各種道歉諮商協助,使其得罪的對象能夠消去怒意,將衝突減至最低,客戶得以全身而退。從車禍到國際關係,需要致歉的場合,無所不在;各行各業的人,都找上阿部貞夫飾演的主角黑島讓。憑其謝罪專業,案子再千奇百怪,他全都能一一解決!

 

 

  劇情架構從黑島讓接洽的案例逐一展開,從市井小民到國家政要,全都上門求助。案例看似各不相關,但由眾明星出演的各路客戶,形色各異,卻串起微妙連結。鬼才編劇宮藤官九郎,展現優秀的角色塑造、架構組織功力,前呼後應,互為因果。

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        美國同名經典名著《大亨小傳》,多次改編搬上大螢幕,這次則由《紅磨坊》 (Moulin Rouge)導演Baz Luhrmann帶來2013年的新版本。在企圖表現文學作品光采的改編過程中,無可否認地是再創作留下的風格印記。

        親身見證1920年代的F. Scott Fitzgerald,留下《大亨小傳》一書。看似無新意的簡單情節,字裡行間,卻細膩深刻地表現集浮華與破敗的矛盾氛圍,成為描繪黃金年代最有影響力的經典代表。富豪的神秘興衰與愛情執念,成為既世故又天真的美國夢隱喻。20年代的一則傳奇虛構故事,在當代全球金融危機對照中,足堪玩味。

        初見Baz Luhrmann的版本,可以輕易接收到編導極力使用電影元素(甚至3D)優勢,來打造繁華散盡、轉瞬成空的對比性主旨;卻免不了有形式凌駕角色刻劃之感。再思量,卻也覺得角色背景的模糊,或者可看作保持了自始至終的神秘性質,如同Nick在這個夏天的驚鴻一瞥,始終是短暫而旁觀性的(當然這旁觀者,卻是真正改變的人)。當然,電影篇幅的限制,仍然無法達到原著中透過枝節、內心表述等成全的各角色描摹。但於我而言,Baz Luhrmann透過形式傳達出的蒼涼感受,完成了對於此故事的基本感受。

         

         

         幾位主角的出場方式,導演在原著提供的素材下,更全面性地透過視覺意象完成。而從原著延用到電影的象徵物,也更加鮮明而傷感地直接傳達。閃爍不定的遠方綠光,無法捕捉,永遠是美好希望與失敗命定的雙重隱喻。起霧或者下雨時,更是無法得見,再再暗示人物命運已然轉變。高高懸掛的眼科廣告看板,宛如上帝之眼俯瞰眾生,卻是戴了一副眼鏡。事件被隱蔽,人們錯見彼此,真實始終是難辨的,或者說,誰在乎?

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        故事背景設定在史前時代的原始人生活,內容卻是無論哪朝哪代都會有的新舊兩代價值辯論。以現代人的眼光,想像原始人的煩惱,巧妙結合,趣味橫生。預告片剪得精準,正片更是好笑又好哭,驚喜無限,超越期待!

   全片描述史前時代,野獸、天災、疾病……自然危機四伏,在荒涼的大地上,只剩古魯一家。老爸咕嚕為確保一家老小,能生存於艱難的史前生活,極力防止「新」、「冒險」、「好奇」、「嘗試」等等字眼與行動,遵守傳統而保守的生活守則,洞穴則是他們最安全的堡壘。青春期的大女兒一妹,卻嚮往更多姿多彩的天地,不滿一生只能困守洞內。父女產生衝突之際,世界卻早已起了翻天覆地的變化。洞穴被毀,一家被迫出走,邂逅隻身前往「明天」的少年阿蓋,帶來處處驚奇,改變了所有人的未來……。

      故事設定在杳無人煙的史前時代,只有古魯一家六口加阿蓋。這七人立體趣味的角色塑造,互相碰撞出熱鬧有趣的生活,完全不顯寂寥。勇猛保守,為家付出的老爸、一家調和劑的媽媽、勇敢奔放的大女兒、懦弱膽小的弟弟、瘋狂的小寶寶妹妹、老當益壯的外婆,外加聰明卻不太健壯的光明少年阿蓋。看似過於簡單的動畫角色設定,卻是單純有勁、動力飽滿,引得電影院滿場歡笑。例如:那句’Release the baby!’,爆衝的小女兒寶寶,總有著「放狗咬人」的暗喻幽默;而女婿眼中「禍害遺千年」的「超原始級」外婆,餓起來連外孫都咬……。這些原始、活力充沛、個性各異的家人,圍繞在主角父親咕魯身邊,頗有男人中年危機的刻劃:老希望岳母「早日歸天」;困擾不知該如何與青春期女兒相處;女兒的曖昧對象登場,瞬間如臨大敵;一家之主的生活守則,被家人質疑……。這個原始人家族,呈現地卻是所有現代人都難念的家庭經。

 

      該選擇留守洞穴或向外冒險,成了原始家族攸關生死的抉擇。而內裏核心,仍是表現父親咕魯與女兒一妹的信念衝突。咕魯從過去的經驗中,認定保守而安全的方式,一妹與阿蓋,則嚮往改變卻危險的可能。電影呈現了家庭成員間相處的常見掙扎,必能讓某些觀眾心有所感。咕魯逐步接受阿蓋帶來的全新方式,是整部電影轉變最大的角色,也推動了敘事前進。電影由此肯定了創新的積極意義,卻也不全盤否定傳統代表的經驗價值。表現在這段過程中,咕魯曾想一徑模仿阿蓋「出點子」,卻紕漏百出;但他固有的勇猛力量及保守家人的心,卻在關鍵時刻,成功將家人送到了安全之地,《古魯家族》的感人之處,也由此達到最高點。電影並不一面倒地吹捧全新價值,而是新舊達成和解,共創最大的幸福。如同父女最終肯定彼此,阿蓋也不再獨自一人,加入了家庭這一最傳統卻穩固的人類社會關係。

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        《浩劫奇蹟》改編自2004年南亞大海嘯的真實故事,從一個最平凡的家庭,見證在巨大天災前,人類何其卑微而無助,卻也在這種時刻,迸發最純真的關懷與希望,那光亮如此微弱,卻足夠溫暖。

      電影運用特效和真實搭建的水域,在大螢幕上重現這場世人難以忘懷的災難。然而,電影並不賣弄特效,也沒有步步逼人的災難前夕徵兆預告。平靜祥和的聖誕佳節,一陣風起,滔天巨浪即來。毫無預警、突如其來。全黑或全白的畫面,視覺淨空,聽覺放到最大,電影留白,來不及恐懼或者憤恨,完全無力,命運何其無言,觀眾與角色一同噤聲。

      滿目瘡痍的災難場景,不忍卒睹。但電影並不刻意放大殘破、血傷、死難;而是在平靜細膩地描繪出湍急水流中的樹枝殘礫,逐漸發黑的傷口,滿車載送的屍體……感受生命愴痛、無助與卑微。靜默與低泣,取代了悲嚎,在如此巨變之後,控述都沒有氣力;或者就為儲存一點力量,活下去,再見到想見的人一面。

    《浩劫奇蹟》裡,沒有預測災變的先知,沒有捨一擋百的英雄。電影將視角濃縮到一個平凡家庭的經歷,探看這個新聞報導的大事件,如何影響了當時身處其中的每一個小人物。大水沖散了家人,電影便分成母親Maria和大兒子Lucas;父親Henry與兩個小兒子ThomasSimon兩條線展開。特別是大兒子LucasTom Holland飾演),擔當了家人離散與重聚的主線。幾場與母親的對戲:不忍見到母親裸露傷口、與母親爭執是否幫助陌生人、認為家人可能已亡故……真誠、細膩,毫無造作,在互動的細節中,坦誠表現一個青春期的男孩,面對親人可能死難的無措與迸生的早熟勇氣。既要堅強又不免脆弱,令人十足心疼,緊緊抓住觀眾的心,直到最後一刻。Naomi Watts飾演的母親,在化裝與細膩的表演下,肉體受難的瀕死殘喘,為親人的極力勉強,展現出一股溫柔卻巨大的母職能量。開場的飛機戲,母子之間關於勇氣對話的伏筆,對照災後種種困頓狀況──這位敏感膽小的女人,在大難來時,卻散發出最最難得的良善光輝,不僅傳遞給了心慌的兒子,也照顧了陌生而同樣受苦的生命。

      Ewan McGregor飾演的父親,戲份篇幅相對較少,然而每場戲存在感都極其強烈。他擔當一家之主之責,始終冷靜而執著地為聚首全家努力。然而一場與災友們借手機的戲,突如其來的失控崩潰,又迅速地勉力回覆希望與理智,短短幾分鐘的戲,卻已經是整部電影最平實卻深刻的精神。ThomasSimon兩個超可愛的小兒子,甚至還不甚清楚巨浪可能已經永遠奪走他們的家人。然而,這場災難,也讓膽小的小Thomas,必須瞬間成為能夠照顧弟弟的小大人,幫忙守護著像星光遙遠而未知存在的希望。

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        完成「六色彩虹電影」三部曲的周美玲導演,暫時放下同志題材,這次轉向拍出台灣多年久違的古裝片。古裝、大量特效、異性戀……,不願創作被侷限的她,以敢於挑戰的實踐精神,講述一場豪賭的愛情故事。形式背景看似殊異,卻也隱隱然呈現了編導創作路程上,始終一致的關懷眼光。

      背景設定在海上的一小孤島,漁夫水手、商賈海盜隨浪潮來去,花街則夜夜笙歌樂舞,彷若樂園定泊海角;當朝政治力量在此鞭長莫及,小小島嶼,在亂世中,竟也得顯太平繁華了。編導架空虛設這遺世小島「流嶼」,但電影展現的服裝、音樂、語言、角色背景,明指暗喻,讓人不難對位於過去特定(甚至現在、未來)的時空背景。於此,海島與島民們,既開闊又孤立的特性和命運,出走/留守、中心/邊緣的母題,就不只是戲中角色的愛情命運拉扯,也成了另一層透過空間來曖曖指涉的國族寓言了。

      而這包含著歌樓教坊、桅船碼頭的場景;既要表現出交易來往的熱鬧活絡,也得有那股孤懸海外的蒼勁氣勢。美術表現極其不易,劇組無論是在馬祖或高雄搭的景,都可看出團隊的挑戰與用心。其中,讓我印象最深刻的是在媽祖芹壁村搭建的街景,石砌的外牆彰顯島嶼建築特色,而地勢跌宕起伏,攤販店肆隨坡而立、商招燈籠層次搖曳,讓人想起王童導演的【無言的山丘】裡,那條礦工們虛擲淘金夢、繾綣溫柔鄉的石板路。那時的九份山城與【花漾】惡水包圍的陡峭小島,時空殊異,但都有些邊緣人物時不我予,且託隔世醉裡生夢裡死的蒼涼況味。

      在這個故事裡,編導揀選了了八位角色:歌妓姊妹、花漾樓當家、教坊樂師、海賊頭子、小海賊、茶商夫婦。宛若八稜鏡的他們,有時折射出彼此鏡像,更多是各據一方,以不同的愛情、人生價值觀,追逐各自欲望,扭力書寫人生命題。可以看出編導在篇幅分配及角色塑造上極具思量,將張力達到極致。不過,也因似乎企圖在以現實人生中眾生對愛情的選擇百態,以強烈戲劇性濃縮進同一故事裡,卻有些折損了各角色背景不同,可能塑造出的豐富可信的立體性。仿若這發生關聯的八位人物,都只為電影同一主題的不同面向而生,雖達到母題的反覆檢視,卻似乎樣板味重了些。或許創作者本就意欲呈現眾生相一次攤開展現的戲劇效果,而戲劇人物編寫上,本就性格決定命運。但因性格的各自表態一開始就都太過清楚,於是各自命運結局,在觀眾看來似乎就有些想當然爾,有些可惜少了細膩轉折之嘆。不過,還是看得出創作者仍有特別揀選幾位角色,做出改變;特別是真正的主角白小霜,透過她從賭注、變成真愛犧牲以獲最終的救贖;看出她作為主角在與眾人碰撞後的改變歷程。只是這最具張力的主角,卻仍有些骨肉不足,或許還是因為多角的篇幅分配創作,真的十分不易吧!

      特別地是,在這個故事裡,縱橫大海的海賊與苦鎖小島的歌妓,男男女女,對自由的掌握度看似差異,但一座孤島卻硬是逼視出其實同屬邊緣人物的可嘆命運。除了上岸、家的命題反覆論述,那一聲究竟是人是鬼的問答,直叫人嘆息。而這人鬼不分的悲歎,也成為整部電影首尾連貫的視覺印象,中元祭鬼的燈火在惡浪閃閃爍爍,歌妓普渡孤魂,而活人,誰又能渡得過人生的苦難?然而,當創作者選擇人鬼對照,作為主角的命運指涉,並且首尾都以祭鬼的電影語言昭示時;卻僅僅透過海賊歌妓最後的問答對白突然點出,就顯得有些斧鑿刻意,總期待或許還有能更細膩而深刻的刻劃對照。無論如何,一貫對邊緣人物的關懷、孤島命運的寓言、人物的極致處境、哀淒美豔的攝影視覺,周美玲導演從過去的紀錄片、電影長片作品,到如今的古裝【花漾】,風格印記已然成型。

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(本來打在FB上的,在這裡留個文)

      憋了很久,決定無論如何還是來寫一下。雖然有一堆奇怪的狀況要處理,但我知道如果我一直不寫出來,我的腦袋會一直開啟自我對話模式,無限擴張。去年我曾半夜跑起來,打了一篇【不一樣的月光】心情文,今年又出現了一部讓我情緒翻攪的電影【甜‧祕密】。(我會儘量避雷~)

 

       這真的是我今年最喜歡的台灣電影了!(雖然我並沒有每一部都看過,今年也還沒完結,但這的確是我今年有緣相會的台灣電影中,最喜歡的一部了!)我知道大家現在如果有一張周末娛樂電影票,一定會想先去看【少年Pi的奇幻漂流】;其實我也看了,那個每隔幾個小時候,再想一次、層次就不斷翻新可能的後勁,讓我不停起雞皮疙瘩。但【甜‧祕密】真的也是一部我誠心感覺滿溢的作品!在金馬影展看到時,我真是又驚又喜,又瞬間憂心票房。儘管陸續看到很多優秀的導演、編劇、剪接師、演員的深刻好評(好評文這種東西,多少看得出寫的人用了多少真心。這部獲得的電影人員好評~真的很多啊~)我卻同時感受到身邊的人,都沒人注意到這部電影。(我總是為這感到遺憾,特別是最近的社會現況啊......。)

 

       我不能確定是什麼影響了觀眾:同檔期強片?特定演員過去表現觀感?片名?宣傳方式?我只能就我自己來說,我看了預告片、卡司主打、片名(實在和過去的【甜蜜蜜】太相近了;我個人比較喜歡《夢十七》,不過劇情已大幅更動,就先暫且不提)、以及那條海報上的小丑魚(我不太能分辨小丑魚和熱帶魚的不同,就視覺來說,陳玉勳導演當年的【熱帶魚】或者國外的【亞歷桑那夢遊】已先占了強烈印象)後,實在沒有特別吸引我。但因為我個人一直以後都很好奇多線式劇本的開展結構,加上Suming~(好啦!我承認我就是因為太愛Suming不容錯過,所以難得在金馬影展會劃開幕片來看。我知道如果你有還力氣看到這邊,又認識我,一定會想揍我!沒錯~我真的是大迷妹~但拜託往下看~這篇不是為了他!好啦~還是有40%~因為Suming其實在裡面戲分真的不多,主題曲雖是他作的,但我個人以「第一次相逢」的心情以及某些私人因素來說,還更愛原來的版本呢!) 另外,我也蠻愛鍾鎮濤B哥的,那是我小時候,會在我大姊房間偷偷挖出瓊瑤錄音帶,跟著狂唱【煙鎖重樓】(有7重古老的門~按:《兩個永恆》~~~)

 

      上面冗言贅字一堆,只是想猜測你看或不看的原因;我一直都是憑直覺進電影院,我相信影評人的推薦,但更常相信在千千萬萬的電影海中,你選擇了我,我選擇了你(按:林子祥、葉倩文的【選擇】),是緣份!我很開心在今年結束前,我碰到了【甜‧祕密】;就像去年碰到【不一樣的月光】那樣。

 

    【甜‧祕密】宣傳主打愛情,但既然這篇不是為了工作所寫,所以我決定全心談我感受最深的部分──。在這部電影裡,有個真正的主角,高中男生小揚。透過他的眼光,看到一個家庭成員各自的愛情糾扯,以及最終這個家庭的聚合離散。(我想,這也是為什麼有些人會想到楊德昌導演的【一一】吧!看完這部電影後,半夜我也突然想起了小洋洋,再次更強烈地想理解當年的他,為什麼會說出那句讓我們都揪心的話。)

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     【暮光之城】系列電影完結篇,2012年11月最終搬上大螢幕。以轉學為始的高中女生貝拉,歷經戀愛、三角掙扎至結婚生子;最後的【破曉2】,描寫人類女孩轉變成吸血鬼後的永恆新生活,以及進入此一不凡家族,為守護家庭完整,作出的必要奉獻。


      最讓我印象深刻的是此集的片頭設計用心:鏡頭飛躍過懸崖林樹湖泊,在一開始定調重溫故事發生地,陰冷壯麗,這個最適合吸血鬼與狼人傳說的場景。搭配剪接吸血鬼毒液流貫人體血脈的象徵畫面,以及風景開始染上血紅的視覺映像;在片頭,不加一字一句,順利用影像完成對【破曉1】的呼應連結,【破曉2】遂由貝拉變身完成,睜開血紅雙眼開始。


     【破曉2】快速交待了轉變成吸血鬼後的貝拉,如何克服嗜血慾望,以及獲得超凡力量後的體驗與適應。此集真正的最大危機,來自女兒被誤認為禁忌的「不朽孩童」,由此觸犯了吸血鬼界的執法組織「佛杜里家族」。「庫倫家族」面臨滅門危機,吸血鬼界與狼人一族,都被牽連進此一執法衝突……。在小說大量內容改編至電影有限篇幅時,此集取捨顯得有些混亂。編導選擇將最後完結篇的重點,放在最後的不朽孩童危機,但對此重點危機的情節交待,部分卻顯得突然、跳躍。雖還不至於影響從未讀過小說的電影觀眾理解劇情走向,但多少予人過於草率之感。另外,比較感到可惜的是貝拉最終選擇拋棄人類身分,成為雖永生但也代表永死的吸血鬼;這樣的轉變該如何面對人類至親(以及他們如何面對女兒),顯得描寫不足。雖然貝拉早已決定選擇愛情一方,但從第一集就掙扎難解的此一角色困境,到完結篇的最終交待,卻似乎有點太輕而易舉,難以說服。

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     一條滿載苦悶及嚮往的補習街,一個個被賦予記憶密碼的物件,侯季然導演承襲以往對都市細節的深情凝視和過去舊時光的戀戀不捨,再添加活潑歡快的青春元素,讓新作【南方小羊牧場】熱鬧繽紛又多情溫柔。

     【南方小羊牧場】是第一屆以台北市人文地景為背景的「順著景點一路拍」劇本比賽首獎,幾經修改後,搬上大螢幕。電影前提首先精確捕捉到一處極具情緒、人物來去離散的生活空間。過去曾有過的電影院、客棧旅館等等,如今場景來到一條許多學子們都曾經熟悉的台北南陽街。多數的人們來到這裡,是為了離開這裡,以到心中美好的他方;蟄伏怨氣與嚮往之情,共同融匯在這條街道上。以此為故事場景,編劇群和導演掌握了空間特性,再三闡述離開/留下母題:什麼樣的人為了什麼原因來到這裡?為了什麼原因決定離開?又或者為了什麼原因留下?以此開展出主角、配角群的人物背景,主、副線交織成【南方小羊牧場】各路英雄好漢的熱鬧集散地。

      離開/留下的母題,除了透過故事場景特性,再透過物的捨棄、追索,纏繞住對過往記憶的執念不捨,以此寫下感情應該深情執著或者坦然放手的申論題。B.B. CALL、考試卷插畫、置物櫃、便條紙、紙飛機、雨傘、停車格……【南方小羊牧場】宛如一時光寶物盒,編劇群和導演一路撿拾,細細呢喃物之密語。

     物件的展示,除了寄託角色情感,也負起說書人角色,替劇情鋪線、為人物說話;更有趣地是還能憑添笑點,調節氣氛。貼在牆上的靜思語標語,搭配蔡振南硬底子演員,每每引起笑聲。串起男女主角情感的考卷小插畫,加上俏皮可愛的動畫設計,一是呼應主角們天馬行空的綺思妙想,又使整部電影質地瞬間顯得輕盈,如同粉色系的現代童話。

     原是苦悶困頓的補習空間,關於被留下、拋棄的悲慘故事,以及宛如夢遊不知人生方向的迷茫背景;在演員無暇的青春臉龐、夢幻的動畫設計、以及刻意為所有走與留的人(狗、物),安排的美好結局中;編劇群與導演,共同譜寫一個雖傷感卻不再傷心的當今台北奇幻物語。而各配角恰如其分的表演,更使得這南方小羊牧場,顯現出特有的台灣味。

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      由原著作者親自改編、執導同名暢銷小說,在Stephen Chbosky作家本人對作品的完整掌握下,【壁花男孩】電影版本,真誠、動人,娓娓道來青春的惶惑、困頓與掙扎,表現不俗。

      總是孤單的主角Charlie,開始了高中新生活,卻如同過去那樣,無法打進同儕交友圈中;直到他遇見了看見他文學天賦的老師,以及一群怪咖學長姊。透過主角敏銳的觀察力,看到那些發生在這段躁動生命中的友伴、愛情、性探索、毒品、音樂、電影歌舞劇、學業、家人……過去的痕跡不曾消失,未來的恐懼如影隨形,搖晃了現下青春對自我的認同。這是關於一個敏感男孩的成長電影,那些出現在他這段歲月中的朋友、老師與家人,特別是學長Patrick、學姊Sam,讓他看到了困惑、憤怒、掙扎以及熱情,最終逼視他回顧被刻意隱藏在記憶底層的傷痛。

      最讓我感動的是【壁花男孩】不同於過度美化的校園片中那樣活力四射,但也不是憂鬱灰暗的沉重記錄。它更貼近現實地呈現在那樣看來日日不特別精采、也不引人注目的校園生活中,青少年如何無可避免地面對成人體制的壓迫、各種情感關係的薄弱與扶持;在徬徨中或喜或悲,卻仍在朋友的陪伴中奮力前行,在情歌與搖滾樂中,努力保持對生活的幽默,以及人生探索的熱情。

       一班年輕演員的表現,令人驚喜,使這群年輕男女的歡喜憂傷,令人更加心疼。Logan Lerman細膩詮釋不擅人際關係,卻又渴望找到歸屬的敏感男孩Charlie。在人群中獨坐一角,沒人注意,卻更感到局外人的侷促不安;與人對話交談,永遠小心翼翼,舉手投足,總是有著一絲緊張。Emma Watson飾演一頭俏麗短髮的Sam,瞬間點亮男主角的生活,但亮麗女孩外表下卻無法信任自我,看輕自己足以擁有完美幸福的價值。學長Patrick外在行為大鳴大放,看來瘋癲熱情、隨性不羈,但面對感情卻最是執著與迷惑,張揚瘋狂下,眼底閃現一掠即去的哀傷;Ezra Miller散發的演員魅力,難以忽視,令人期待他之後更多演出表現。

  整部電影再現許多80、90年代初的搖滾樂,包括David Bowie、The Smiths等,註記主角們熱愛音樂的高中生活,也唱出那些瘋狂探路的青春心靈;其中那句歌詞「We can be heroes, just for one day」真是電影片尾男主角自白時的最好呼應,整部電影的最好註腳。大螢幕下,相信能讓許多樂迷大飽耳福。這樣的觀影經驗,頗讓人想起幾年前的【戀夏500日】(500 Days of Summer)。

      另外,值得一提的是電影再現了經典的「洛基恐怖秀」(The Rocky Horror Picture Show)舞台劇,曾看過此同名電影或在金馬影展體驗過的影迷們,也可看看這群年輕主角們是如何在舞台上扮演、體驗此由百老匯劇改編,繼而成為cult film始祖的經典作品。

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      話題電視劇《犀利人妻》搬上大螢幕,四年後,藍總監仍只是「特別的好朋友」嗎?前夫瑞凡有沒有「回去」的可能?電影最終回,安真即將做出選擇。

    電影版的開拍,既是延續賣點話題,也為了滿足電視劇粉絲對於經歷失婚之痛的安真,還有沒有再度擁抱愛情、甚至婚姻可能的疑問。當時,一句「回不去了」似乎終結了前夫瑞凡的挽回;電視劇開放的結局,也讓觀眾對夢幻貼心的藍天蔚持有懸念。安真情歸何處,看似成為電影宣傳海報上舊愛新歡角力的重點。只是,這部以主打女性觀眾市場,特別是當時電視劇被小三與不忠丈夫氣得牙癢癢的觀眾,電影開場不久,就可以發現女主角其實心繫何人,整部電影要探討的或許是經歷背叛的女子,還有沒有勇氣再一次為愛情做出賭注,抓住屬於自己的「幸福」。而作為單親媽媽,這樣的賭注伴隨著什麼樣的割捨、改變與代價?

      於是,四年後的安真登場時,已能將職場、朋友與家人處理得井然有序,除了那仍舊空缺的愛情。編導嘗試鼓勵經歷過愛情傷痛的女性,面對真實內心,擁有再一次冒險的勇氣。可惜的是,電影版情節的鋪寫,在凸顯主角安真成長的主動性上,卻顯得有些生硬。當她決定伸出手再次承接擁抱時,是因為釐清內心所愛,還是因為外在他人的搶奪、離開或者放棄?當然,主角不得不的被動選擇,也能作為劇情推動力,只是作為電視版結局的延續,不得不的對於「四年後的安真」能夠成長成如何的犀利女性,有了更多期待。

      特別讓我印象深刻地是,電影版突出了在成人婚姻破裂之後,身處其中的兒女位置。四年後的女兒萌萌,已經成長到足以意識父母的分開,電影版多了好幾場戲在描寫萌萌、天蔚、瑞凡的關係,然而其中關鍵性連繫三人的安真,在此複雜的關係中卻顯得有些單薄隱形;可惜了原是可以深度探討女性同時身為「母親」與「追求真愛的女人」兩種角色時的衝突與掙扎。相較與此,四年前懷孕離開的「小三」,如今成為另一個單親媽媽。短短現身的幾場戲裡,薇恩為母則強的成長與轉變,卻更讓人印象深刻。而四年前結局裡最終負了兩個女人的瑞凡,在電影版裡,終於認識到並不只是重新做個回歸事業、家庭的「好男人」,就能抹去過去,挽回人生。任何時刻的選擇與行動,都會留下影響與痕跡,沒有所謂的彌補,只有對過去的面對與此時此刻的承擔。

      犀利人妻電影版,除了可以讓粉絲重溫幾位電視劇主角,也多加了幾位綠葉角色平添笑點,在電影院裡不時聽到笑聲此起彼落。而承襲電視劇時打動人心的主題曲,電影版幾首配樂的設計,連貫主角心境流轉,加深觀眾情感投入。然而,整部電影剪接節奏上不夠流暢,常予人尷尬的斷裂感;燈光攝影雖具質感,卻有許多過於強調而顯得突兀的特寫設計。而作為一需要大量投資的產業,電影置入性行銷原無可厚非,可惜此部電影的置入顯得有些過於直白、不夠高明,反倒使觀眾容易出戲。

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         華麗光影的電影元素,末日主題的思考辯證,屬於2012的當代台灣嬉皮美學,既要是頹廢的「廢柴」,也要是拯救世界的最新英雄!陳映蓉多年後的長片新作《騷人》,帶來台灣劇情長片少見的末日奇幻元素!

       能否繼續存有的懷疑,世界終點來臨的恐懼與想像,末日一直是人類創作不輟的主題。隨著2012的到來,末日預言盛囂塵上,這幾年國內外的長、短片、更是多見相關創作。執導過《十七歲的天空》、《國士無雙》的陳映蓉,延續過去明快的喜劇元素,卻更多了個人創作與觀察的深沉思考,表現在大膽的電影元素上,呈現一個華麗復古、奇幻流離的作品。

   「騷人」可指失意的騷人墨客、懷才卻不遇的廢人、狂人;於是,導演就此打造了一個台灣嬉皮「吳安良」(王柏傑飾演)。過去也玩搖滾樂的他,現實淘洗、理想浮沉,末日來臨之際,瘋癲又狂放的他,打造可比諾亞方舟的網路卡拉圖號,決心革命救世人。大量的手持攝影,將如此一既狂且異的「廢材」呈現,晃蕩游走在虛實之間,迷離的光影色彩粒子、精雕細琢的構圖,不必過多言語,主角們游離紛飛的思緒自然感染至觀眾。拿下台北電影節最佳攝影,可謂實至名歸。

       服化、美術與攝影互相襯托,60年代的嬉皮風情,成功展現在今日的台灣國片裡,十足情調。(部分場景,讓人想起李安的嬉皮主題電影《胡士托風波》)許多熟悉的台灣景色,透過精緻的美術、場景搭建及相應攝影,開始透染出陌生的魅惑氛圍:馬路、停車場、防波堤、廢墟……宛如經歷一場專屬電影的魔幻洗禮。

      《騷人》的音樂,無論是電影靈感來源:David Bowie的經典搖滾歌曲「All the Young Dudes」,或者由Soler樂團打造的電影原創音樂(獲台北電影節最佳音樂),在適當的剪接下,從歌詞到曲風,復古搖滾,讓電影精神完整表現,印象強烈,直至電影散場,餘音不絕於耳,是一次非常成功的影音結合,讓人讚賞!

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        皮克斯推出新作:在聯邦時代的蘇格蘭高地,一頭紅色毛躁捲髮的公主梅莉達,不拘小節、率性而為,喜歡在森林裡騎馬射箭。如此行徑,與一心培育她擁有傳統美好禮教行為的母后違背;當國家需要公主聯姻維繫同盟關係時,衝突自然爆發……。以具人性光輝的創意為招牌的皮克斯,這次要如何來講述如此數量之多而傳統的公主片題材呢?

  當幾個月前預告片推出時,筆者其實是有些小小疑慮的:一個不合禮教的率真公主與傳統體制發生衝突,進而解決,主角成長,故事結束。這樣符合現代社會女性思想的公主片變型題材,東西方都早已屢見不鮮。皮克斯要如何突破、取得新意呢?進了戲院,電影主要敘事線並不脫離預期,但對轉折的深化、角色關係之細膩,卻讓我驚喜,會說故事的,還是能把老題材說得成熟而動人。

  《勇敢傳說》於筆者而言,最大的亮點來自角色關係的著墨選擇。過去動畫片裡,較少見到將焦點落於母女關係的情感內核上,多數是看到父子、婦女、祖孫關係等的刻劃;母女間絕對不同卻又相似傳承的女性關係,過去卻常隱身於母親位置的基本缺席、女兒的遙想懷念。梅莉達與父親關係親密,承襲父親一頭紅色捲髮與大口進食的率性作為,但實際上她卻與母親更加相似;動畫裡表現出母女共有的固執、堅強、膽識,以及不怒而威的王者風範。然而,當相同生命特質、位置的兩人,處於兩個時代時,衝突就顯得更加不可避免而激烈了。《勇敢傳說》把握住此真實的家庭處境,深化成全片最讓人意想不到的轉折情節(筆者小心翼翼不爆雷,就怕影響觀眾觀影樂趣)。在母女之間無法溝通的情境描繪之下,最終卻是更成熟地處理了母職天性與家人間雖衝突卻絕不忍彼此受到磨難的自責與奉獻。

      作為梅莉達的成長故事,《勇敢傳說》提示的是所有對於改變的渴望、自由的換取,同時來自責任的相依與承擔,而非莽撞、不顧旁人地追索求取。當公主懂得面對選擇的有限性,而在之中以智慧找到回身的空間時,她才能優雅的長大。而也在能以同理與溫柔地體恤家人與國族時,先是改變了自己,才有足夠的力量改變他人,獲得命運轉變的可能。

      除了主題之外,皮克斯仍以專業的動畫品質,讓大螢幕的觀影成為享受。在角色塑造下,梅莉達的三胞胎弟弟,從造型到行為,實在是太可愛了!和父王一起承擔了一家的潤滑劑角色和全片笑點!發生在蘇格蘭高地的故事舞台,在細膩的光影繪製下,美得讓人屏息,群山環繞,蓊蓊鬱鬱,雖陰冷卻壯觀,憑添古老神秘的氛圍,竟讓人時而產生像在觀賞實景錄影拍攝的感覺!配樂則使用了大量的風笛,悠揚而具民族性音樂的動能,隨風飄散,隨影播送,讓女孩的勇敢、家人的無私,更加讓人動容。

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      3800米的雲南香格里拉,在稀薄的空氣中,渴望呼吸到最純粹的愛情。缺憾的現實人生,得以在電影裡獲得安慰。這是一段真心誠意的感情,也是一部對電影獻上美麗讚詞的電影。

 

      雲南香格里拉,四季皆如畫,而電影的視覺印象則特別突出在一片雪白之中。最純粹的顏色和最冷冽的溫度,劇本的場景設定和視覺語言,昭示了這個最最純愛卻又充滿遺憾的故事。

 

      電影開展不久,即讓筆者想起港片《我左眼見到鬼》;除了女主角皆是鄭秀文以外,那份對逝去/失蹤情人的執念,令人印象深刻。電影看完後,確認了編導,才發現2002年的《我左眼見到鬼》和《高海拔之戀II》皆是杜琪峰與韋家輝編導的合作之作。這兩部電影,無論是主題情感與角色關係,皆有類同之處。10年前的《我左眼見到鬼》,劇本創意突出,嬉笑之下至真相揭露,情感爆發令觀者措手不及,淚如雨下,無法自抑。而10年之後的《高海拔之戀II》,在不時輕鬆笑點的補綴之外,整部片舒緩動人,蒼茫的雪景中,既有執著的情感,更多了一份自然撫慰的溫厚。

      這樣的舒緩與溫厚,除了來自電影取鏡外,女主角鄭秀文自適自在的表現,也是原因之一。她不再是過去電影裡,那個帶點神經質的都會女子;這次的角色,她幾近素顏,鼻子還可見小小雀斑,雙頰也因寒凍,而總顯得發紅。她表現高海拔偏鄉居民的素樸與麻利,堅守自持地等待著失蹤的丈夫。在一場戲裡,她奔出屋外對著樹海喊叫,久守的堅強化成淚水,無法言語,只能吶喊;那樣的聲嘶力竭,令人想起當年《我左眼見到鬼》裡,她對著滿庭盛開的向日葵,大叫大揮手,想要再召喚與幽冥丈夫的連繫,終是徒然與無奈。除了丈夫失蹤後的堅強執著,鄭秀文表演起初進香格里拉的年輕少女,也是那樣地可愛自然,充滿魅力。兩相對照,讓人驚喜她表演上的收放自如,特別是那份自然而然的情感傳達。

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         善與惡的模糊,道義與背叛的脆弱,北非摩洛哥的攝影,顯影在10點晚場的電影院中,安靜、敏銳,令人屏息。

 

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《謎樣的情人》描繪三個在摩洛哥古城的年輕人,偷拐搶騙,夢想發上財,過上好日子。然而,夜店美人Dounia的出現,吹皺Malik一池春水;警方掃黑,也讓三人中的領袖Allal躲到山裡避風頭。共同行動的三人,暫時分開,此後各自的遭遇,讓性格不同的哥兒們三人,命運殊異,再難回頭。

 

         此部片將黑色電影的類型元素帶進:街頭兄弟情誼、蛇蠍美人、黑白兩道的對立與合作……。電影故事走向雖可預料,但《謎樣的情人》完整的角色塑造,推動劇情,讓整部片有血有肉,充滿說服力。Malik最終作出的決定,在電影前半部向警方報案即見角色性格,當親密的人受到傷害,所有對於道義的顧慮即刻消失;Malik的家庭背景戲,姊姊命運的整個段落,完整推動也暗示了Malik的選擇。而三人中的領袖Allal不滿Malik沉迷女色,對Dounia做出的試探行動,從前半段他還未通知同伴,即瞬間擅自決定進行搶劫包包,即見他獨斷的做事模式,也埋下了最終命運的惡果。Soufiane的轉變看似最為激烈;然而他依附、易受影響的性格,早已決定終途的命運。在三人團體中,他無異議地跟隨Allal,Allal避風頭後,他依循過往的模式行動;搶劫失敗後,帶給他庇護的神祕團體,成為他心靈的依附及往後人生的指南。而「謎樣的情人」Dounia,她的行為自始至終在觀眾面前都是神秘的,大部分來自Malik的想像,或是她在Malik前的說詞,她的神秘,因此成為整部電影最終局面的揭曉。

 

        性格雖決定了命運,但逼使角色選擇的則是逃離不開的社會環境,編導自此放進北非摩洛哥的背景切片:混亂的地下犯罪、女性身分的低落、宗教的滲透與迷惑……。電影自此呈現了特殊的時空背景,而角色們在其中的身不由主,更讓道德論述,難以輕易入主。

 

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        改編自同名暢銷小說首部曲的《飢餓遊戲》,被媒體譽為是近年最忠於原著的改編電影。筆者不曾讀過此系列小說,但光就電影版的《飢餓遊戲》,其精緻、流暢,令人驚艷!

       《飢餓遊戲》呈現一架空之時代背景:在「施惠國」裡,由一富饒進步的都城及環繞四周的十二個行省組成。都城為維持其威權統治,強令各行省每年交出十二至十八歲的少年、少女各一,參與只留下一名「勝利者」的「飢餓遊戲」,互相殘殺,致死方休,都城並實況轉播至全國。而這次,Katniss自願參加此獵殺遊戲,以代替不幸在「抽籤日」被抽中的妹妹……。

        首先令筆者眼睛一亮的是電影精緻的美術、服裝的視覺設計。

        都城富庶奢華,所有建物地景都在標示其掌握了所有政治經濟命脈。身處其中的人(甚至寵物),皆身著各式誇張華服,既繁複又簡約;以現實眼光觀之,皆是只會出現在時尚雜誌而非日常生活中的造型。身為電影觀眾,很難不被其炫目前衛的美術服裝吸引;但同時如同從行省來的少年少女們,在驚嘆之餘,更多的是一種深沉的悲哀。電影以視覺語言突出了都城與行省的差異:相較於誇豔的都城,偏遠行省不論在地景色調、人物穿著,皆是黯淡貧窮。奢侈無聊的都城人,視窮人的性命為草芥,把觀看年輕生命互相殘殺的過程當作遊戲;而被壓迫剝削至極的行省百姓,甚至願意在致命籤筒裡多放幾張籤,只為了多換一點食物。小說電影打造了一個看似不可思議、難以理解的「施惠國」,但這難道不是我們身處的現實世界縮影嗎?

        除了美術服裝的視覺設計,電影也以其優秀的特效,創建了都城不可思議的進步科技。在這被喚作「遊戲」的殘殺過程中,遊戲設計者可以隨心所欲的在少年少女者的原始戰場中,隨時放下火球、怪獸、物資……,宛如線上遊戲的真實版。虛擬與現實交錯,令觀者目不轉睛,而道德、科技與人性,複雜與隱憂,纏繞其中。


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